「不要想，去拍照吧！」(Don't think, just shoot!) 相信這個LOMOgraphy的格言大家也聽過不少遍了，這種鼓吹隨意或偶然的影像模式（或許是市場策略的一種），招徠了不少年青男女追隨，那台俄羅斯陳舊款式、性能簡單的小型間諜相機LOMO LC-A（很懷疑這個大小的相機能當間諜相機嗎？）當經過重新包裝後也成為炙手可熱的潮流產物，暫時撇開其推廣的美學理念，其本身就是一個很好的市場學課題。他們提倡的所謂“LOMOwall”，亦即是用大量LOMO拍的照片來堆砌一幅大拼貼，是很好的「商業美學」– 拍得愈多就是愈好。
LOMO式的抓拍真的很流行，很想去理解青年人這種看來極具解放性的意識形態，其實很多時候只是把一向以來對我們認同的「好照片」的守舊尺度調低，令很多對影像修辭不通曉或刻意對形式主義美學對抗的一眾，能以較直覺的觀感模式去製作受人認同的作品，矇朧、失焦、東歪西倒、色彩斑斕。現今一代根本就是在影像先行、文字為副的環境下長大，用直覺的影像來溝通的方法自然對他們來說有莫大的吸引力。一直以來抓拍snapshot很多時被認為是一種純靠直覺神經觸動的機械運作，但這種美學流派卻出了不少在攝影史留名的人物，由布烈松到基連William Klein到近代的喬頓Bruce Gilden，遠一些有日本的森山大道，等等都不乏貢獻自己一生精力在這種充滿神秘感的創作，我們解讀抓拍的時候總要套用布烈松的「決定性的時刻」那種思維，用這種想法去解讀LOMOgraphy可能會過火了一點，但LOMOgraphy更是比較鼓吹影像日記或博客blog的模式，什麼都是值得「獵取」的對象，比Kodak moment更徹底更放，想著想著宋塔道人們用攝影來收集世界，LOMOgraphy 正正是這樣，有點像拾荒，有點像人棄我取的味道。
忽然我想起艾哥斯頓 (William Eggleston)，他的彩色抓拍在七十年代聲名大噪，驟眼看來都是一些日常生活無關痛癢、缺乏異國情調的美國事物（準確一點應該是美國南部風物誌），他早年曾參觀過那個時候剛剛發明的一小時照片沖印店，那時全美國還是只有幾家而已，他看到沖好的照片、一條條延綿不絕地從機器中吐出來，鎖碎、看來無關痛癢的日常生活的但又很誘人的景象受到啟發，再加上當年「現代攝影教父」紐約現代藝術館攝影部館長John Szarkoski沙高斯基點石成金，要知道那個年代彩色照片難登藝術館或畫廊的大雅之門，很多有名的攝影家都不大願意接觸那時還不大成熟的彩色攝影技術。艾哥斯頓作品的魅力在於他義無反顧地去跟色彩打交道，看他的作品就像給一個大彩色漆油桶撥向你面前，再配上那些看來荒誕的主體﹕可以是冰箱裡的食物到廉價旅館裡的陳設，卻可以令人看來「美不勝收」。從一些訪問得知，這個愛聽黑膠唱片的南部鄉巴，家裡就是堆滿數之不盡一小時快洗的照片，為他辦展覽的策劃人很多時候要花很大的氣力去「發掘」他的寶庫，有時我會想他是攝影界的安迪華荷，他的成名是帶有很重因緣際會的成份，但亦印證大眾文化進入藝術殿堂的例子。這個時候總會覺得艾哥斯頓拍的不就是LOMOgraphy嗎？可是艾哥斯頓要求觀眾去「凝視」他的主體，從而發掘出作品的有趣之處， LOMOgraph卻是要你的眼睛在畫面中不斷遊走，基本上是讓你的眼睛沒有休息的一刻。
不要以為攝影豬守舊，我對LOMO沒有反感，我自己也曾有一台LC-A相機，我都覺得有時候是蠻好玩的玩意，但是lomography所推崇的往往看來變化多端的畫面下，卻是非常單一的思維方式（起碼他們倡導的法則已經限制了你的思維模式），曾經讀過一篇文章說到LOMOgraphy對攝影的意義相對於繪畫裡的 "paint by numbers"，即是說跟著數字去填色的遊戲玩意，我覺得真的是正中下懷，尤其是要服從那些無形的法則才算得上是LOMOgraphy：要失焦、要色彩斑斕、要東歪面倒的構圖……反而蓄縛了創作，想深一層還可以有多少發揮的空間呢？
《Greenwood, Mississippi》by William Eggleston, 1970s
《William Eggleston's Guide》by William Eggleston, Introduction by John Szarkowski
（原文上載於05年8月）
LOMO式的抓拍真的很流行，很想去理解青年人這種看來極具解放性的意識形態，其實很多時候只是把一向以來對我們認同的「好照片」的守舊尺度調低，令很多對影像修辭不通曉或刻意對形式主義美學對抗的一眾，能以較直覺的觀感模式去製作受人認同的作品，矇朧、失焦、東歪西倒、色彩斑斕。現今一代根本就是在影像先行、文字為副的環境下長大，用直覺的影像來溝通的方法自然對他們來說有莫大的吸引力。一直以來抓拍snapshot很多時被認為是一種純靠直覺神經觸動的機械運作，但這種美學流派卻出了不少在攝影史留名的人物，由布烈松到基連William Klein到近代的喬頓Bruce Gilden，遠一些有日本的森山大道，等等都不乏貢獻自己一生精力在這種充滿神秘感的創作，我們解讀抓拍的時候總要套用布烈松的「決定性的時刻」那種思維，用這種想法去解讀LOMOgraphy可能會過火了一點，但LOMOgraphy更是比較鼓吹影像日記或博客blog的模式，什麼都是值得「獵取」的對象，比Kodak moment更徹底更放，想著想著宋塔道人們用攝影來收集世界，LOMOgraphy 正正是這樣，有點像拾荒，有點像人棄我取的味道。
忽然我想起艾哥斯頓 (William Eggleston)，他的彩色抓拍在七十年代聲名大噪，驟眼看來都是一些日常生活無關痛癢、缺乏異國情調的美國事物（準確一點應該是美國南部風物誌），他早年曾參觀過那個時候剛剛發明的一小時照片沖印店，那時全美國還是只有幾家而已，他看到沖好的照片、一條條延綿不絕地從機器中吐出來，鎖碎、看來無關痛癢的日常生活的但又很誘人的景象受到啟發，再加上當年「現代攝影教父」紐約現代藝術館攝影部館長John Szarkoski沙高斯基點石成金，要知道那個年代彩色照片難登藝術館或畫廊的大雅之門，很多有名的攝影家都不大願意接觸那時還不大成熟的彩色攝影技術。艾哥斯頓作品的魅力在於他義無反顧地去跟色彩打交道，看他的作品就像給一個大彩色漆油桶撥向你面前，再配上那些看來荒誕的主體﹕可以是冰箱裡的食物到廉價旅館裡的陳設，卻可以令人看來「美不勝收」。從一些訪問得知，這個愛聽黑膠唱片的南部鄉巴，家裡就是堆滿數之不盡一小時快洗的照片，為他辦展覽的策劃人很多時候要花很大的氣力去「發掘」他的寶庫，有時我會想他是攝影界的安迪華荷，他的成名是帶有很重因緣際會的成份，但亦印證大眾文化進入藝術殿堂的例子。這個時候總會覺得艾哥斯頓拍的不就是LOMOgraphy嗎？可是艾哥斯頓要求觀眾去「凝視」他的主體，從而發掘出作品的有趣之處， LOMOgraph卻是要你的眼睛在畫面中不斷遊走，基本上是讓你的眼睛沒有休息的一刻。
不要以為攝影豬守舊，我對LOMO沒有反感，我自己也曾有一台LC-A相機，我都覺得有時候是蠻好玩的玩意，但是lomography所推崇的往往看來變化多端的畫面下，卻是非常單一的思維方式（起碼他們倡導的法則已經限制了你的思維模式），曾經讀過一篇文章說到LOMOgraphy對攝影的意義相對於繪畫裡的 "paint by numbers"，即是說跟著數字去填色的遊戲玩意，我覺得真的是正中下懷，尤其是要服從那些無形的法則才算得上是LOMOgraphy：要失焦、要色彩斑斕、要東歪面倒的構圖……反而蓄縛了創作，想深一層還可以有多少發揮的空間呢？
《Greenwood, Mississippi》by William Eggleston, 1970s
《William Eggleston's Guide》by William Eggleston, Introduction by John Szarkowski
（原文上載於05年8月）
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